ÓPERA
O Barbeiro de Sevilha
Em turnê até setembro, visite opera.org.au para datas

Se Wes Anderson algum dia dirigisse uma ópera, provavelmente seria muito parecida com esta. Opera Australia turnê de produção de Gioachino Rossini O Barbeiro de Sevilha é colorido, kitsch e lúdico, com uma paleta rosa e muita simetria. Esta versão não pode ser definida em uma época exata: na melhor das maneiras, esteticamente é como se os anos 40 se encontrassem com os anos 60 com uma pitada do início dos anos 2000.

Há uma razão para esta ópera, que estreou em 1816, ser tão duradoura: é forte, é engraçada, contém melodias memoráveis ​​e há espaço para inovação. Esta encenação revela o humor do material original, ao mesmo tempo que tem a sua própria personalidade distinta.

O Barbeiro de Sevilha conta a história do Conde Almaviva (inicialmente interpretado por John Longmuir, mas depois assumido por Nicholas Jones durante o primeiro ato devido a doença), que se apaixona por uma mulher chamada Rosina (Cathy-Di Zhang) que está sob a tutela ciumenta do Conde Dr. Bartolo (Michael Lampard). No entanto, em vez de ser uma figura paterna, Bartolo pretende se casar com ela. Almaviva convoca o carismático Figaro (Andrew Williams), o cabeleireiro-chefe de Sevilha, para ajudá-lo a vencer e provar o amor de Rosina. Trajes e travessuras acontecem.

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Rosina poderia ser uma figura trágica, presa, oprimida e à mercê de dois homens diferentes que querem se casar com ela, mas ela não é. A Rosina de Rossini já é travessa e no controle de sua própria história, pelo menos até certo ponto, enganando seu guardião e, finalmente, se safando. Na versão da diretora Priscilla Jackman, a autonomia de Rosina é ampliada: em vez de ser ambientada na casa do Dr. Bartolo, toda a ópera acontece dentro e ao redor de “Rosina’s Sevillised Libations” e ela gosta de tropeçar, provocar e manipular Bartolo. Zhang se destaca na comédia física que o papel exige e nos desafios vocais.

Embora ocasionalmente algumas vozes masculinas não tenham conseguido preencher o Teatro Ulumbarra de Bendigo, cada um dos protagonistas demonstrou um impressionante domínio da voz e da atuação. A entrega de Williams do icônico Fígaro, Fígaro, Fígaro! – uma linha que se osmotizou fora da ópera e na cultura pop, foi um destaque inicial particular.

Esta encenação é uma história que agrada ao público, vestida de uma maneira nova, pensativa e divertida. A crítica Elizabeth Flux viajou para Bendigo como convidada da Opera Australia.

MUSICA POP
Gorillaz ★★★★½
Arena John Cain, 24 de julho

A primeira palavra que vem à mente é “alegre”.

Após uma ausência de 12 anos e um infeliz início falso do Splendor, o Gorillaz fez seu primeiro encontro na Austrália para uma multidão lotada de Melbourne que estava sorrindo de orelha a orelha. Como você poderia não estar, quando Damon Albarn saltou para o palco, com o sorriso cheio de dentes intacto, para gritar com sua cabeça? M1 A1 como se fosse 2001 de novo e tivéssemos um pouco menos de preocupações do que temos agora?

Gorillaz tecnicamente ainda não havia chegado ao palco, no entanto, criações animadas de Hobbs, Murdoc, 2-D e Jamie Hewlett’s Noodle rapidamente encheram as filmagens da noite, especialmente o destaque de Song Machine. tempo estranho onde fizeram um dueto com Robert Smith na lua. Isso é genial.

A presença de palco impressionantemente diversificada da banda, que parecia estar se divertindo o tempo todo, deve ser elogiada. Eles lançaram hit após hit com uma ótima mixagem que destacou quantos membros estavam no palco contribuindo tanto.

Quase todo mundo fez uso da pequena passarela do palco em um ponto para mergulhar no novo aspecto crível de tocar para uma platéia, enquanto isso coincidentemente me fez desejar poder presentear Albarn com uma cerveja enquanto ele invadia a multidão durante jato pirata.

É seguro dizer que não estávamos prontos para o 1-2 de Dirty Harry dentro de Sinta-se bem Inc.. Com tantas músicas que definem a vida em exibição, Albarn proclamou que o set era “o que você precisava e o que precisávamos”.

Um bis maciço nos deixou com as bochechas doloridas de tanto sorrir por duas horas e esperar que não fossem mais 12 anos entre as bebidas. Revisado por Harry Bradley

MÚSICA CLÁSSICA
Cordas Brilhantes ★★★½
Centro de Recital de Melbourne, 23 de julho

“Só eu tenho a chave para este desfile selvagem.” Estas palavras surpreendentes do poeta Arthur Rimbaud lançam o ciclo de canções de Benjamin Britten as iluminaçõesuma obra que imprimiu seu caráter exótico e precoce neste concerto executado pelas cordas da Orquestra Sinfônica de Melbourne.

Uma das chaves do programa foi a influência francesa na música de Britten, inicialmente celebrada com trechos da elegante partitura gaulesa de Purcell para a rainha das fadas. O Concertmaster Dale Barltrop suscitou uma interpretação elegante, viva e luminosa, além da presença desproporcional de três contrabaixos.

Este possível sinal de selvageria iminente foi explicado depois de Purcell, quando o baixista regular do MSO Stephen Newton declamou a linha de abertura de Britten de seu lugar na parte de trás da orquestra. Deixando seu instrumento para trás, ele então se mudou para vários pontos do palco para assumir seu papel de solista.

Newton aparece como um larrikin adorável, a quem Rimbaud sem dúvida teria aprovado, mas o mais pudico e exigente Britten poderia ter ficado magoado com as palhaçadas de Newton. Embora comprometido com uma interpretação altamente dramática de texto e música, Newton não podia se dar ao luxo de estar em outro lugar senão na frente e no centro, onde seu tenor leve e nada atraente tinha chance de ser ouvido por cima da orquestra. Em última análise, o resultado líquido foi mais evasivo do que selvagem.

O entusiasmo inquestionável que Barltrop e seus colegas trouxeram ao Britten também esteve presente na Quarteto de Cordas em Fá, cuidadosamente arranjado para orquestra de cordas para preservar a delicada luz e sombra vitais para o conceito original de Ravel. As passagens solo lindamente polidas, notadamente por Barltrop e pela violista Fiona Sargeant, foram compensadas por tuttis brilhantes e enérgicos.

Mostrar o talento multifacetado dos músicos é para ser aplaudido, mas uma maior praticidade musical foi a chave para liberar o poder desse “desfile selvagem”. Revisado por Tony Way

JAZZ
Aliado ★★★★
Paris Cat, sexta-feira, 22 de julho

Gai Bryant nomeou sua última banda Ally porque vê seus membros como aliados musicais, reunindo seus recursos criativos em busca de um propósito comum, neste caso explorando ritmos latinos tradicionais através de uma lente de jazz contemporâneo.

Ele também poderia ter chamado a banda de Alloy, o que descreveria perfeitamente a fascinante amálgama de estilos e culturas em que a música se baseia. Tradições rítmicas peruanas, brasileiras, cubanas e andaluzas estão no centro das composições de Bryant, dando às melodias uma corrente de flutuabilidade irresistível.

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Na noite de sexta-feira em um Paris Cat esgotado, o sexteto de Sydney encheu a sala com festas afro-peruanas vibrantes, maracatu brasileiro e bulerías de flamenco. O percussionista Julio Candela (cajon e congas) e o baterista Ryan Menezes formaram o ágil bimotor para essas aventuras polirrítmicas, ancoradas pelo baixo flexível de Max Alduca e pelo hábil piano de Daniel Pliner. Bryant, no sax alto e soprano, e o trombonista James Greening costumavam apresentar os temas melódicos em uníssono tenso antes de harmonizar ou quebrar em solos autoritários.

Dentro Cuba as trompas cavalgavam a meio galope sobre o pulso intrincado e multifacetado da seção rítmica. esferas que não (uma reformulação flamenga de Thelonious Monk Bem, você não precisa) apresentou um cajon esvoaçante para enfatizar a melodia sussurrante, com a soprano de Bryant adicionando manchas de angularidade antes de Greening embarcar em uma excursão solo maravilhosamente exuberante.

A banda foi acompanhada em várias faixas pelo poeta nascido no Brasil Dai Moret, cujas frases fluentes em inglês e português meio sussurradas e meio faladas adicionaram um ar de mistério sedutor.

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A maioria das peças do generoso show de duas horas foram retiradas do álbum de estreia da banda. lixo de tambor. A melodia final (Mississippi brilhante) foi uma nova composição definida para um efervescente montuno cubano, que não apenas serviu como um final edificante, mas deu a entender que Bryant e seus aliados simpáticos ainda têm muitas descobertas musicais pela frente. Revisado por Jessica Nicholas

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