Recentemente, participei de uma exibição no Centro de Arte Moderna Italiana (CIMA) do filme neorrealista de 1949 Amargo Arroz (risada amarela), dirigido por Giuseppe De Santis. Esta história extraordinária segue um período entre trabalhadores sazonais no norte da Itália, que fazem o trabalho árduo de plantar e processar arroz. Um dos momentos centrais dessa história é um encontro noturno de trabalhadores, muitos deles agrupados em torno da figura sedutora de Silvana Mangaro, dançando o boogie-woogie americano no fonógrafo. Como o diretor do CIMA, Nicola Lucchi, gentilmente apontou em uma introdução pré-exibição, este momento teve uma ressonância especial que falava de uma espécie de revolução: a ascensão e domínio da música americana em lugares distantes de suas origens, rompendo e muitas vezes deslocando tradições regionais .

A cena se desdobra como uma espécie de metáfora do imperialismo cultural. O balanço é tão forte (e poderosamente incorporado por Mangaro) que aniquila praticamente tudo em seu caminho. Essa música contrasta fortemente com as canções populares que as mulheres cantam juntas nos arrozais, adaptando a letra para transmitir as fofocas e outras informações do dia. Observando isso, pensei nas maneiras muitas vezes trágicas como a música pop, sua onipresença alimentada por seu enorme valor comercial, ofusca várias formas de expressão de artistas ao redor do mundo. Claro, isso também acontece dentro dos Estados Unidos; muitos músicos de jazz se lembram tristemente quando a música pop decolou no início dos anos 60 e seus contratos e carreiras desvalorizaram instantaneamente.

Os artistas reagiram a essa hegemonia de várias maneiras. Alguns permanecem próximos de seus costumes nativos e cultivam principalmente o público local, embora seu trabalho ocasionalmente se cruze sem ser diluído ou danificado além do reconhecimento. Outros integram com sucesso diversas influências, até acrescentando camadas de significado ao longo do caminho, como nos projetos Talking Heads e Celia Cruz da poderosa Angélique Kidjo. É encorajador ver um afastamento geral do desejo de traduzir tudo, tornando-o mais palatável para o público americano: o que nos filmes pode ser comparado à dublagem. As versões de maior sucesso nos permitem ouvir a voz do artista, deixando transparecer suas particularidades, até mesmo sincretizando tudo o que o mundo oferece e a América impõe.

Fatoumata Diawara é cantora, guitarrista e compositora, além de atriz, que passou a maior parte de sua infância no Mali. Ela canta principalmente em bambara, e suas canções muitas vezes abordam temas de sua terra natal, como a dureza da vida para as mulheres, principalmente em uma sociedade patriarcal. Sua voz é deslumbrante e seu toque é delicado e insistente. Desde sua primeira gravação, Fatou (2011), desenvolveu uma audiência mundial, atuando como parte do projeto “Half the Sky” junto com Damon Albarn, Baaba Maal e outros. Ele também atuou no aclamado filme Timbuctu.

Em um recente show do NPR Tiny Desk, sua voz foi acompanhada por legendas traduzindo músicas sobre a dificuldade do casamento entre castas, a dor do exílio, bem como um apelo mais alegre para a celebração. Suas canções têm grande fluidez e ele as transmite com amplo carisma. Novo álbum digital de Diawara Maliba é a trilha sonora de um projeto criado em parceria com o Google Arts and Culture; dedica-se à preservação de manuscritos históricos seculares no Mali, alguns dos quais foram destruídos nos últimos anos por militantes islâmicos no país. Com sua arte, ele engloba conceitos tão amplos quanto a preservação da cultura e tão íntimos quanto a vontade de amar. Diawara é uma presença exuberante, com um sorriso brilhante e seu jeito especial com uma Gibson SG. Eu vi um pouco antes da pandemia na Prefeitura e foi fascinante.

Também na Câmara Municipal, pós-pandemia, estava a superestrela brasileira Marisa Monte, uma figura amada e até icônica entre seus compatriotas desde que entrou em cena aos 20 anos. De alguma forma, manteve seu status elevado por mais de três décadas. Ambos os shows esgotados foram um evento, completo com fãs gritando cantando junto com quase todas as palavras. Sua façanha é muito difícil de realizar; ela tem que absorver toda essa adoração e conhecimento que as pessoas têm de seu trabalho, então sair e entregar. A expectativa de carisma, de possuir verdadeiramente o material, era alta, e ele a enfrentou de frente.

Foi uma espécie de ocasião para poder ver Monte, já que ele não faz turnês com frequência. Ela parece bastante satisfeita em gravar um álbum ocasional, especialmente porque seus colaboradores incluem figuras brasileiras reverenciadas como Nelson Motta e Seu Jorge, além de admiradores americanos como David Byrne e Laurie Anderson. Mas vê-la se apresentar oferecia o prazer especial de testemunhar uma lenda à altura do faturamento. Monte é uma verdadeira estrela, majestosa e pontual. Ela trabalhou em quatro engenhosas mudanças de figurino no palco, enquanto transportava o público através de uma grande variedade de materiais, passando pelo pop e samba brasileiros, muito disso na forma de músicas com as quais eles sentiam que tinham crescido. . Os bis não paravam de chegar: ele encerrou a noite com uma bela interpretação a cappella de seu primeiro hit, “Bem Que Se Quis”. Partindo depois, era bom estar em algum lugar no limite do distrito dos teatros. Este foi mais do que apenas um concerto. isso foi um exposição.

Também parecia haver uma aceitação muito amorosa da gratidão do público, que ela continuava retornando com reverências de bênção. No entanto, além da espetacular capacidade de entretenimento da noite, o Monte parecia ter uma missão maior: preservar uma importante linha da música brasileira e, com ela, uma profunda integração com a cadência e suavidade muito particulares da língua portuguesa.

A cantora e compositora Gaby Moreno, nascida na Guatemala e baseada em Los Angeles, também conseguiu fazer jus a todo o hype crítico que vem recebendo há anos. Eu vi Moreno no Town Hall e no BRIC Celebrate Brooklyn! Festival nos últimos anos, e manteve o público fascinado nas duas vezes. Alternando entre o espanhol e o inglês, tanto na linguagem quanto no estilo, produziu uma série de gravações apaixonadas e bem elaboradas. Em uma colaboração de 2019 com o compositor/maestro Van Dyke Parks, ela cantou um dueto com Jackson Browne para sua composição “Across the Borderline”, uma música angustiante sobre pessoas que perdem tudo em busca de uma possível vida melhor na América. Embora o arranjo de flores de Parks seja um complemento fascinante para sua voz salgada, quase antiga, a versão acústica despojada que ela apresentou no show foi ainda mais comovente.

Moreno é um artista que incorpora e poliniza elementos, nunca se fixando completamente em um único estilo. Vai do jazz primitivo à balada espanhola e a uma espécie de folk-soul. Mas essa abordagem eclética combina com ela, e ela é expressiva não importa o contexto. Algo que Moreno compartilha com Diawara e Monte é que todos encontraram seu ofício longe das paradas pop americanas, e sem a necessidade de padronizar seu som. A sua é uma música que nos lembra que existe um grande mundo lá fora, e as colisões culturais que ele engendra têm a capacidade de ampliar nossa consciência, não por exclusão ou deslocamento, mas por integração e expansão.